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Kenobi Vs Vader esemplifica il problema dell’azione di Star Wars (e di Hollywood).

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La lotta poco brillante tra Obi-Wan Kenobi e Darth Vader nel finale di Obi-Wan Kenobi è il simbolo di un problema più grande che affligge le scene di combattimento di Hollywood negli ultimi anni. Anche prima della premiere di Obi-Wan Kenobi, il presidente della Lucasfilm Kathleen Kennedy prometteva che la rivincita tra Obi-Wan e Vader sarebbe stata la “rivincita del secolo”. C’era una grande aspettativa da impostare e il pubblico si aspettava che la lotta avrebbe portato a termine.

Una buona parte di Obi-Wan Kenobi è stata organizzata come un gioco del gatto e del topo tra Kenobi e Vader, con Vader come gatto e Kenobi il topo. Entrambi erano preoccupati per i pensieri l’uno dell’altro e la loro storia condivisa; anche un decennio dopo, le vecchie ferite non erano ancora rimarginate. Alla fine si sono trovati faccia a faccia nell’episodio 3 di Obi-Wan Kenobi, ma era chiaro che il loro duello in quell’episodio era solo un precursore della vera rivincita in arrivo nel finale.

Mentre la rivincita Kenobi contro Darth Vader nel finale di Obi-Wan Kenobi ha avuto i suoi momenti emozionanti, tuttavia, è stato nel complesso deludente a causa di alcune decisioni narrative e visive. Mentre Ewan McGregor e Hayden Christensen hanno dato il massimo e hanno iniettato più di un po’ di emozione nel loro scambio, l’azione in sé non è stata all’altezza. Durante la loro battaglia, l’episodio ha continuato inspiegabilmente a tagliare la trama di Reva e poi tornare al combattimento. Ciò ha senza dubbio minato lo slancio e la tensione della battaglia tra Obi-Wan Kenobi e Vader, qualcosa che non sarebbe mai dovuto accadere con il duello di Star Wars più atteso degli ultimi anni. È un segno di un problema più grande.

Hollywood ha un problema con l’azione

Sfortunatamente, questa è una tendenza in crescita con scene di combattimento e sequenze di battaglia nei film d’azione e nei programmi TV moderni: il lavoro traballante della telecamera e i tagli costanti riducono i combattimenti a noiose sfocature di movimento piuttosto che a momenti dinamici in una narrazione. Usando sempre Obi-Wan Kenobi, la battaglia dell’episodio 5 tra l’Impero ei rifugiati nella roccaforte di The Path su Jabiim è stata esasperante da guardare. I migliori combattimenti raccontano una storia attraverso l’azione, ma la battaglia su Jabiim è stata in gran parte un pasticcio. La telecamera non si è mai soffermata abbastanza a lungo su una persona o un singolo combattimento per avere un’idea di ciò che stava accadendo, saltando immediatamente via dopo solo un secondo o due. Anche il blocco casuale della battaglia non ha aiutato in quanto era difficile orientarsi nella scena per capire l’organizzazione del combattimento e dove tutto fosse in relazione l’uno con l’altro. Tuttavia, le scene di combattimento caotiche e mal dirette non sono solo un problema con Star Wars, ma su tutta la linea.

Hollywood ha un problema con l’azione. Pensa all’ultimo combattimento davvero memorabile in un film Marvel. La maggior parte delle persone sceglierà immediatamente il combattimento in autostrada in Captain America: The Winter Soldier, come il miglior combattimento del MCU, forse la scena dell’ascensore dello stesso film. Alcuni potrebbero inserire scene di combattimento di altri film Marvel, come Avengers: Endgame o Shang-Chi, ma le risposte travolgenti saranno quasi sicuramente incentrate su The Winter Soldier. Il problema è che The Winter Soldier è uscito nel 2014; Da allora, altri 19 film sono stati rilasciati nell’MCU. Il pubblico avrebbe difficoltà a inventare combattimenti davvero spettacolari nel DCEU, punto. La maggior parte dei franchise non sono molto diversi, sia sul grande schermo che in TV. Non è un ottimo track record per la creazione di scene di combattimento memorabili in generi incentrati sull’azione.

Troppi contenuti significano meno showrunner esperti

Hollywood è assolutamente inondata da un mare di contenuti in questo momento ed è un settore alimentato da IP in franchising, che ruota quasi sempre attorno all’azione. Con la proliferazione dei servizi di streaming proprietari, più film e programmi TV ottengono il via libera che mai e peggiora l’azione. Ci sono molti più contenuti che esperienza là fuori, specialmente per quanto riguarda lo streaming e la TV. In positivo, offre opportunità attese da tempo a più showrunner e registi per mettere i piedi nella porta. Significa anche che ci sono molte persone in questo momento che vengono messe in posizioni di showrunning e dirigono interi spettacoli che non hanno alcun business con quel livello di responsabilità, considerando la loro mancanza di esperienza. Ma è qui che si trova Hollywood in questo momento, con troppo poche persone con esperienza veterana in grado di riempire tutte le aperture di showrunning e regia disponibili.

Questo è particolarmente un problema in televisione, poiché in TV c’era una chiara pipeline di apprendistato. Quando c’erano meno reti e canali via cavo e gli spettacoli duravano 20 episodi a stagione o più, gli autori dello staff avevano anni per imparare le corde. Lo scrittore dello staff ha portato allo scrittore capo; capo sceneggiatore ha portato allo showrunner. Quando uno scrittore è stato promosso a dirigere uno spettacolo, aveva anni di esperienza e appreso tutte le vaste conoscenze logistiche richieste a uno showrunner lungo la strada. Quel gasdotto si è rotto con l’esplosione dello streaming. Gli autori dello staff stanno passando direttamente allo showrunner. L’industria è piena di storie di scrittori senza personale che hanno ottenuto concerti da showrunner semplicemente fuori dal campo. Ecco quanto Hollywood è alla disperata ricerca di contenuti in questo momento.

Anche i registi televisivi sono interessati dai cambiamenti del settore

È un problema anche con la regia. Un modo frequente in cui gli aspiranti registi si leccano i denti in TV e al cinema è mettere in ombra il regista sul set per un po’. È un modo solido per imparare le corde. Quindi si potrebbe avere la possibilità di dirigere un episodio o due qua e là e costruire gradualmente il proprio curriculum. Ma la pandemia di COVID-19 ha ribaltato tutto e ora ci sono meno opportunità per ottenere quell’ombra e l’apprendistato vitali. I registi raramente restano con uno spettacolo anche per un’intera stagione, per vari motivi. Con l’intera stagione di programmi via cavo e di rete, è perché il programma è così stretto che un episodio viene girato mentre l’altro è già in post e il successivo è in pre-produzione. Un regista non può supervisionare tutte queste cose in una volta, quindi gestisce uno o due episodi alla volta. Nel frattempo, le miniserie e le miniserie orientate all’azione richiedono spesso una grande quantità di effetti visivi in ​​post. Come per i programmi in rete, un regista può gestire uno o due episodi e poi concentrarsi sulla post-produzione mentre un altro regista sta girando l’episodio successivo. Rende difficile per i registi avere veramente un’idea della produzione.

Gli aspiranti registi imparano molto, ma non come bloccare e sparare all’azione

In questi giorni non è necessario andare alla scuola di cinema per capire come si fa il regista. Non è necessariamente una cosa negativa, poiché le scuole di cinema non sono riuscite in modo schiacciante a cambiare con i tempi moderni e i loro corsi sono carenti. Ai registi non viene insegnato, ad esempio, come bloccare e girare sequenze d’azione, e si vede. Il blocco, nella sua definizione più semplice, sono le indicazioni su come dovrebbero essere posizionati gli attori e le telecamere e come dovrebbero muoversi. È un’abilità incredibilmente importante. Un buon blocco orienta il pubblico nello spazio in modo che capisca cosa sta succedendo e dove. Il blocco imposta una tabella di marcia per dove inizierà qualsiasi scena e dove finirà. Il blocco assicura che un attore non si trovi accidentalmente tra la sua costar e la telecamera in una scena in cui la costar ha delle battute. E un grande blocco può raccontare una narrazione visiva stessa; per esempio, in una scena in cui la dinamica del potere tra due personaggi cambia, quello che perde terreno può allontanarsi dalla telecamera mentre quello che ottiene il controllo si avvicina.

Sfortunatamente, pochi registi imparano o capiscono come bloccare correttamente le scene di combattimento e le sequenze di battaglia senza una vasta esperienza. Questo è particolarmente evidente in televisione. A causa della natura del nastro trasportatore degli episodi di ripresa a metà stagione, la velocità è della massima importanza. A differenza di un set cinematografico, un regista televisivo e la sua troupe televisiva non hanno tempo per impostare più riprese. È meglio che il regista si assicuri di bloccare i combattimenti per rendere i combattimenti il ​​più dinamici possibile con un movimento minimo o nullo della telecamera. Ma se un regista non comprende il linguaggio dell’azione, le scene di combattimento non possono essere girate al massimo delle loro potenzialità. Diventa ancora più complicato con i registi televisivi che passano al cinema e viceversa; ognuno è bloccato e sparato in modo abbastanza diverso.

Hollywood usa meno registi di seconda unità

Anche il lato cinematografico del settore sta vivendo un cambiamento. Tradizionalmente, le riprese cinematografiche utilizzano seconde unità guidate dal regista della seconda unità. La seconda unità è esattamente quello che sembra: una seconda squadra e una troupe televisiva che lavorano separatamente dall’unità principale. A volte, la seconda unità viene schierata per svolgere il lavoro necessario ma banale, come pick-up, riprese della folla, stabilire riprese in esterni, ecc. Ma più spesso, la seconda unità ha il compito di girare scene “specializzate”, come azione e sequenze di combattimento Spesso, il regista della seconda unità sarà anche il coordinatore del film o del combattimento, poiché comprende intimamente il linguaggio di un combattimento e quindi sa come bloccare e filmare scene d’azione. In effetti, alcuni secondi registi hanno iniziato come coordinatori degli stunt per questo motivo – è certamente come ha fatto il regista di John Wick Chad Stahelski.

Nonostante sia una parte cruciale delle produzioni cinematografiche tentpole che si basano sempre più spesso su effetti speciali e azione, meno film hanno impiegato seconde unità. Negli ultimi 20 anni si è registrato un calo generale del numero di seconde unità utilizzate nelle produzioni cinematografiche di tutti i principali generi e di tutti i budget. Il genere d’azione non è immune da questo. Nel 2000, circa il 63% di tutti i film d’azione usciti in patria utilizzava registi di seconda unità; entro il 2018, quel numero era sceso al 51%, con un punto minimo nel 2015 che era sceso fino al 41%. (via Stephen Follows) Non è del tutto chiaro perché questo sia il caso, se è legato a ragioni di budget o perché più registi ora vogliono supervisionare e controllare ogni aspetto delle loro riprese senza dover collaborare con un regista di seconda unità.

Che sia per questi motivi, più o nessuno, è innegabile che, al di fuori di alcune IP genuinamente dinamiche, il genere d’azione e i generi ibridi d’azione stanno soffrendo nelle aree in cui dovrebbero essere più forti. Le grandi scene di battaglia sono pasticci caotici. Le scene di combattimento corpo a corpo sono troppo spesso girate inspiegabilmente dalla vita in su o hanno così tanti tagli rapidi che il pubblico non può nemmeno vedere le mosse dei combattenti. E tutto si basa troppo sulla tremolante cam portatile come trucco visivo economico per produrre una sensazione di intensità quando manca l’abilità di riprendere l’azione in modo dinamico. Il duello finale di Obi-Wan Kenobi potrebbe essere stato l’esempio recente più frustrante di ciò, ma non è certamente l’unico. Fino a quando Hollywood non capirà che ha bisogno di addestrare i suoi registi a capire i combattimenti così come capiscono i momenti dei personaggi, il genere d’azione nel suo insieme continuerà a essere trattenuto.

Obi-Wan Kenobi è ora in streaming su Disney+.

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